Revisión de la Temporada 4 de la antología Amor, Muerte y Robots — No necesitamos más de esto

Love, Death & Robots es un programa especial. En muchos aspectos, es un proyecto único que una vez reunió a artistas y escritores para crear algo extraordinario. Cada episodio corto es una pieza independiente con su propio estilo visual y mensaje. La primera temporada se estrenó en 2019 y se convirtió de inmediato en un evento. Ha pasado mucho tiempo desde entonces, y ahora en 2025, estamos viendo el lanzamiento de la cuarta temporada, que resultó ser... algo completamente diferente. ¿Qué le pasó a uno de los proyectos más importantes de Netflix y quién tiene la culpa? Vamos a averiguarlo.

El episodio de apertura es esencialmente un videoclip de la famosa banda Red Hot Chili Peppers. O más bien, un concierto, donde tanto los intérpretes como el público son marionetas. Todos bailan felizmente al ritmo de la canción No Puedo Parar y... eso es todo. No hay moral o idea más profunda. Solo marionetas, solo jugando, cantando y bailando. Animar modelos informáticos de esta manera claramente no es una tarea fácil. Pero es dudoso que los fanáticos de una antología llamada Love, Death & Robots estuvieran esperando esto.

Lo que lo hace aún más triste es que fue dirigido por David Fincher — sí, ese David Fincher (David Andrew Leo Fincher), quien nos trajo Se7en, Fight Club, Zodiac y otras sombrías obras maestras que se convirtieron en clásicos modernos. Es difícil imaginar un uso más desperdiciado de una persona tan talentosa. Y Fincher también es el productor ejecutivo del programa, lo que significa que debería saber exactamente lo que las audiencias esperan de una nueva temporada. Desafortunadamente, este extraño comienzo encapsula el tono de toda la temporada — pronto verás a qué nos referimos.

Aquí somos testigos del primer contacto de la humanidad con alienígenas. El giro está en la perspectiva isométrica, que hace que todo se vea como juguetes y pequeño. Naturalmente, el encuentro no sale según lo planeado — policías torpes disparan a un apéndice alienígena bastante prominente, lo que desencadena una guerra a gran escala.

El episodio incluye todos los clichés de invasores alienígenas que puedas imaginar — trípodes de La Guerra de los Mundos, sondas anales, platillos voladores. El humor coincide con ese tono. El episodio termina con la idea de que los humanos son responsables de sus propios problemas. Un mensaje lo suficientemente decente, pero está enterrado bajo una montaña de bromas, lo que hace difícil realmente conectarse con él.

Afirmablemente uno de los pocos episodios que realmente pertenece a esta antología. Ambientado en un universo cósmico, una mujer cibernética busca venganza contra una raza alienígena que mató a su esposo. Ella vive en una estación espacial con múltiples cables conectados a bots similares a arañas — de ahí la analogía de la araña. La vida de Rosa está llena de traumas, incluyendo cicatrices psicológicas. Un día, ella encuentra una criatura alienígena — extremadamente linda, pero absorbe el ADN de cualquier cosa que consume. Con el tiempo, se encariña con este clon parecido a Stitch, pero los buenos momentos no duran. El mismo alienígena que mató a su esposo ataca su hogar. Ella lo derrota, pero termina desconectada del soporte vital. Al final, Rose se sacrifica, alimentando los restos de su cuerpo a la criatura para que pueda sobrevivir hasta que llegue ayuda.

Puede parecer una pieza perfecta de ciencia ficción, y la breve duración logra construir un arco dramático. Eso es en parte cierto. Pero todo se desmorona durante las reflexiones morales de Rose. Su esposo parece una versión de fantasía de Ken. Todos los flashbacks son insoportablemente vanillos y perfectos, haciendo que las emociones se sientan falsas. Aún así, Rose misma es un gran personaje. Ella se ve y actúa exactamente como lo haría una mujer del espacio en tales circunstancias — no hay quejas al respecto. En general, la calidad sigue siendo baja, pero es lo mejor que el proyecto tiene para ofrecer en este momento, así que tomaremos lo que podamos conseguir.

Un desastre completamente sin sentido de visuales decentes y el sueño de un perro en lugar de un guion. Un post-apocalipsis esquemático en un universo esquemático que se asemeja vagamente al nuestro. El poder en una ciudad particular está dividido entre bandas criminales que se comportan exactamente como esperarías que lo hicieran los criminales. El frágil equilibrio se rompe cuando aparece una nueva banda — perdón — bebés gigantes capaces de eliminar a 20 personas con un solo movimiento.

Las bandas se unen en un ejército y se preparan para su batalla final, usando, de repente, energía de sus cabezas como un arma definitiva. Y eso es todo.

Podrías preguntar: ¿qué demonios es esto? No tenemos idea. ¿Qué tipo de post-apocalipsis es este, por qué sus cabezas disparan rayos, y de dónde vienen los niños gigantes y enojados? No obtendrás respuestas. Dicho esto, los visuales en este episodio son geniales. Incluso si no eres un artista, puedes apreciar fácilmente lo laborioso que fue el trabajo. El estilo se asemeja vagamente a los cómics originales de Hellboy, donde los personajes son angulares y las sombras a veces cubren partes de sus rostros, sirviendo como elementos cruciales de la composición junto con detalles en color.

Un episodio encantador sobre un gato. No esperaríamos menos. La historia sigue a un felino doméstico que sueña secretamente con la dominación mundial. Cuando sus repugnantes dueños bípedos compran un asistente robótico, el gato rápidamente forma una alianza e incluso convierte a la máquina a su lado. Así comienza la gran revuelta felina. No hay mucho más que agregar. Este es un boceto humorístico que no solo está bien hecho, sino que también cuenta una historia decente. Nos encantaría ver qué sucede a continuación.

La serie siempre ha incluido episodios similares, incluyendo algunos con gatos, así que se esperaba verlos regresar en la Temporada 4. La única pregunta es: ¿cuándo se convirtieron estos tipos de episodios en la mejor parte de todo el programa?

Podrías decir que después de gánsteres contra bebés no hay a dónde ir. Y responderíamos: las profundidades de este abismo son insondables. El episodio seis es el único que presenta actores en acción real. A pesar de un elenco decente y algunas caras reconocibles, los actores no tienen nada con qué trabajar. Especialmente decepcionante es el personaje principal: un sacerdote interpretado por el conocido comediante Rhys Darby. El hombre es un maestro de la ironía y puede manejar una amplia gama de tonos, pero aquí simplemente no se le da la oportunidad de mostrar su talento.

La trama es simple: un día, un sacerdote es testigo de cómo un delfín muerto regresa milagrosamente a la vida. Inmediatamente después, aparece una horda de pulpos espaciales religiosos, creyendo que han encontrado a su dios en este evento. Un embajador alienígena quiere hablar con el sacerdote sobre lo que vio, pero durante la conversación, el propio delfín aparece y le dice al pulpo cómo los humanos oprimen la vida marina. Esto instantáneamente desencadena una guerra. Fin.

Por cierto, el episodio fue dirigido por el segundo gran visionario del programa: Tim Miller. El hombre sabe cómo crear historias ingeniosas y originales, pero últimamente ha estado produciendo tonterías más y más a menudo; solo recuerda Secret Level. Pero volveremos a eso en el final.

Un episodio pretencioso con visuales ultra-realistas que recuerdan a Spider Rose. Para celebrar la boda de dos familias influyentes, se lleva a cabo una competencia al estilo de Los Juegos del Hambre en un Coliseo espacial. Varios gladiadores participan en una carrera mortal de dinosaurios, tratando de llegar a la meta mientras eliminan a sus rivales en el camino. Naturalmente, como cualquier distopía para niños exige, la audiencia consiste en elites ricas y engreídas, mientras que los gladiadores son sus completos opuestos.

Siguiendo las tendencias modernas al pie de la letra, tanto hombres como mujeres compiten equitativamente en la carrera, porque son igual de fuertes, por supuesto. La protagonista asiática femenina comparte un poderoso vínculo fraternal con uno de los otros corredores, pero eso no les impide enfrentarse eventualmente. La comparación con Los Juegos del Hambre no es accidental, aunque probablemente sea una pobre. La obra de Suzanne Collins creó un mundo bastante sólido, y con el tiempo su distopía comenzó a sentirse inquietantemente realista. Aquí, estamos operando en un nivel de profundidad comparable a Divergente, que podría impresionar a los espectadores menores de doce años, en el mejor de los casos. La cantidad de clichés y estereotipos modernos también es bastante irritante. No solo está desgastado, ¡prácticamente es un faux pas a estas alturas!

¿El gran final? Un tiranosaurio aparece, que la mujer guerrera naturalmente doma, se vincula con (tristemente, no a través de una trenza), y monta hacia el tribuno de los recién casados. Aparte de un contenido contenido meh, este episodio no evoca mucho. Incluso el estilo artístico elegante, que es bastante impresionante, no logra redimirlo. La audiencia de hoy está acostumbrada a este nivel de visuales—ahora nos gustaría ver algún significado adulto que lo acompañe.

Otro episodio que se acerca a ser realmente bueno. Una decentemente fantasiosa que involucra fascistas, rituales ocultos y un avión lleno de valientes soldados. La misión del equipo es bombardear una iglesia donde los nazis están realizando experimentos mágicos. El ataque tiene éxito—solo que demasiado tarde. Un misterioso chupacabra irrumpe de los escombros y comienza a desmembrar el avión. Nada puede detenerlo... excepto una cruz, aunque los soldados se toman su tiempo para darse cuenta de eso.

La acción aérea es creativa, el ritmo es ajustado, y el monstruo es grotesco de la mejor manera. Además, hay una verdadera moral aquí—y no una tonta. Uno de los miembros de la tripulación, Zeke, es un ateo que comienza a replantearse sus creencias después de sobrevivir al encuentro. No, no esperes revelaciones filosóficas profundas, pero al menos es cautivador. El estilo artístico inspirado en los cómics es otro buen detalle que mejora todo el asunto.

Un corto humorístico donde los dispositivos inteligentes se quejan de sus vidas. Todos los gadgets son interpretados por comediantes famosos.

Aun así, cada dispositivo es genuinamente hilarante, y sus problemas son increíblemente identificables. Especialmente sientes empatía por la máquina de hacer waffles en el apartamento de un jugador soltero que no ha tenido la oportunidad de funcionar ni una vez—salvo, por supuesto, que una mujer entre milagrosamente a la casa. Incluso me hizo querer desempolvar la mía del armario. Los visuales son, como de costumbre, hábilmente realizados—y completamente diferentes a cualquiera de los episodios anteriores.

Otro episodio con temática de gatos—esta vez, los creadores sacaron los grandes cañones. Esto podría haber sido lo mejor de la temporada si no fuera por el caos que de alguna manera terminó donde debería haber estado el guion.

Un poeta desquiciado vive en un asilo con un gato. Está escribiendo su obra maestra, pero aquí está el giro—las rimas le son susurradas por el mismo Satanás. El gato desaprueba, y el diablo intenta hacer un trato con el guardián felino, tentándolo con comida y placer. El esponjoso Winchester resiste, reúne un consejo de sus compañeros callejeros, y se revela que todos los gatos son enemigos antiguos del infierno. Naturalmente, están bastante motivados para luchar por el alma del poeta.

Para este punto, probablemente tendrás muchas preguntas. ¿Por qué quiere el diablo el poema? ¿Por qué este poeta? Y ¿por qué tentar al gato en lugar de simplemente corromper al hombre directamente? Eso es solo la punta del iceberg infernal. Al final, los gatos rechazan la invasión demoníaca, y el héroe felino desbloquea su superpoder: ¡puede escabullirse tan bien que atraviesa paredes y se vuelve invisible! Destruye el poema, y aprendemos que Satanás esperaba atrapar el alma del poeta dentro de él, ya que se vertió por completo en la obra. ¿Por qué? Por razones.

El estilo artístico es interesante, como un juego de PC de presupuesto medio de hace 10 a 15 años. No es súper realista, pero es muy encantador y artístico. Y con eso, la cuarta temporada ha terminado.

Probablemente ya has adivinado qué tipo de impresión nos quedó después de ver. La cuarta temporada de Love, Death & Robots es un ejemplo claro de lo que sucede cuando los artistas sobreestiman groseramente sus propios talentos, creyendo que pueden crear una obra maestra visualmente impresionante sin un guion sólido. Visualmente, sigue siendo un festín de estilos y enfoques artísticos complejos en dibujo y gráficos por computadora, pero le falta la parte más importante: una razón para ver.

En las temporadas anteriores, los escritores y los artistas trabajaban en estrecha sinergia, y cada episodio se sentía como una verdadera obra de arte. Siempre había algo en qué reflexionar, algo de qué discutir o algo que admirar. Después de todo, había una historia real. Ahora, los visuales toman la delantera, y parece que fueron concebidos mucho antes que cualquier trama. Se siente como si los artistas decidieran de qué debería tratar la historia y luego intentaran dolorosamente exprimir algún significado en ella después.

No es coincidencia que recordáramos The Secret Level, también producida por este mismo equipo, incluido el propio Tim Miller. En nuestra reseña de esa antología de cortos inspirados en juegos, dijimos casi lo mismo. Hay mucho brillo visual, pero si hay algún significado más allá de los últimos eslóganes narrativos, apenas está presente. La tibia recepción de The Secret Level aparentemente no enseñó nada a los creadores, así que Love, Death & Robots ha seguido un camino similar, desafortunadamente. De diez episodios, apenas logramos reunir cinco que sean al menos mirables. Pero ninguno de ellos es sorprendente o verdaderamente inspirador. Son solo... "está bien."

Honestamente, esperábamos con ansias la Temporada 4 y esperábamos que se abordaran los errores de The Secret Level. En su lugar, obtuvimos un monumento bañado en oro al enorme ego de los artistas visuales que creen genuinamente que hacer un corto al estilo de un video musical o una escena donde un granjero intenta agredir a una vaca y luego es secuestrado por extraterrestres para un examen anal es una buena idea. Lamentablemente, nuestra fe en Miller y Fincher en lo que respecta a antologías como esta se agotó hace mucho tiempo, y no vemos razón para darles ningún tipo de indulgencia. Es especialmente desalentador cuando consideras lo rápido que está evolucionando la IA; pronto, estos tipos de experimentos visuales ya no serán sorprendentes o se producirán mucho más rápido con mucho menos esfuerzo. Sin embargo, aún tomará tiempo —y la perspectiva humana— para editar y refinar esas ideas de IA en guiones inteligentes y atractivos o historias completas que toquen el corazón.

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La temporada 4 de Love, Death & Robots, lamentablemente, resulta decepcionante. Se asemeja más a un espectáculo de fuegos artificiales comprado a un precio ridículo y lanzado en una fiesta de cumpleaños infantil: llamativo, bonito, pero en última instancia sin sentido. La ingeniosa agudeza y el humor mordaz de las temporadas anteriores han desaparecido. Solo podemos recomendar cinco episodios: Spider Rose, The Other Large Thing, How Zeke Got Religion, Smart Appliances, Stupid Owners, y For He Can Creep. Estos al menos conservan un leve sabor de lo que el programa una vez fue —pero solo destacan porque no hay nada mejor de qué elegir. El resto es una mediocridad olvidable que no se quedará contigo más tiempo del que tarda en llegar al final.